Hace unos días inauguré esta sección con el inminente estreno de The Dark Knight Rises. Pues bien, continuando con esa moda USA de los reseteos en cuanto a sagas se refiere, tenemos en esta ocasión otra de superhéroes, The Amazing Spider-Man (2012). En un principio, la continuación iba a ser la cuarta entrega de la saga iniciada por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire, pero diferentes problemas en cuanto a la dirección y el guión de la película llevaron a una cancelación prematura, con lo que se decidió darle un nuevo aire al personaje y reiniciar una saga que empezaba a dar síntomas de agotamiento. Querían un lavado de cara total, y esto suponía cambiar en primer lugar al encargado de dirigir la película, alguien que aportara un toque distinto a lo que Raimi había ofrecido. Tras desechar a candidatos como Wes Anderson, finalmente se contrató a Marc Webb, responsable de la reivindicable pero diametralmente opuesta a la que nos ocupa (500) días juntos (2009), por lo que veremos si el resultado es directamente proporcional a lo arriesgado de la apuesta. Y deben tener muy claro que va a triunfar, puesto que ya se está preparando una secuela para 2014. Decir que se rumoreó que James Cameron podría dirigir la cinta, pero finalmente los encargados se pusieron en contacto con él únicamente para conocer todos los secretos del rodaje en 3D, puesto que esta película se nos presenta en este formato.
En esta ocasión, Peter Parker, un estudiante de secundaria que fue abandonado por sus padres cuando era niño, y que ha sido criado por sus tíos Ben y May, está tratando de averiguar quién es y cómo llegó a ser la persona que es hoy. Peter también está encontrando el amor junto a Gwen Stacy, y juntos luchan por su amor con compromiso, complicidad y confidencias. Durante la visita a un laboratorio es mordido por una araña que habia sido expuesta a la radiación, dándole fabulosos poderes que Peter irá descubriendo. Cuando Peter descubre un misterioso maletín que perteneció a su padre, comienza la búsqueda para entender la desaparición de sus padres, llevándolo directamente a Oscorp, el laboratorio del Dr Curt Connors, ex-compañero de trabajo de su padre. Él va a buscar al Dr. Connors pidiendole que lo deje ayudar en la investigacion que él y su padre habian comenzado, él acepta y de esta manera nace de la investigacion "El Lagarto". Ahora tendrá que luchar contra su nuevo enemigo: El Doctor Connors convertido en "El Lagarto".
Evidentemente, los cambios también afectan por completo al reparto. Afortunadamente, el soso y hasta en ocasiones antipático Tobey Maguire (nunca me ha gustado como Spider-Man) da paso al casi desconocido Andrew Garfield, que participó en La red social (2010) y que debe aportar una nueva visión al personaje. Emma Stone encarna a Gwen Stacy, novia del héroe y que en la saga anterior tuvo la cara de Bryce Dallas Howard. También tenemos nuevos tíos de Peter Parker, Martin Sheen y Sally Field, como Tío Ben y Tía May respectivamente. Por último, el supervillano está interpretado por Rhys Ifans.
¿Qué podemos esperar? Una nueva visión sobre el trepamuros, con fantásticos efectos especiales y con la esperanza de que por fin podamos ver un 3D de calidad. También comprobaremos si los nuevos fichajes dan la talla y consiguen hacer olvidar a sus antecesores.
INTOCABLE (2011) Dirigida por Olivier Nakache y Eric Toledano
FICHA TÉCNICA
Película: Intocable. Título original: Intouchables. Dirección y guión: Eric Toledano y Olivier Nakache. País:Francia. Año: 2011. Duración: 115 min. Género:Comedia dramática. Interpretación:François Cluzet (Philippe), Omar Sy (Driss), Audrey Fleurot (Magalie), Anne Le Ny (Yvonne), Clotilde Mollet (Marcelle), Alba Gaïa Bellugi (Elisa), Cyril Mendy (Adama), Christian Ameri (Albert). Producción: Nicolas Duval-Adassovsky, Laurent Zeitoun y Yann Zenou. Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Mathieu Vadepied. Montaje: Dorian Rigal-Ansous. Vestuario: Isabelle Pannetier. Distribuidora:A Contracorriente Films.
SINOPSIS:Philippe, un aristócrata que se ha quedado tetrapléjico a causa de un accidente de parapente, contrata como cuidador a domicilio a Driss, un inmigrante de un barrio marginal recién salido de la cárcel. Aunque, a primera vista, no parece la persona más indicada, los dos acaban logrando que convivan Vivaldi y Earth Wind and Fire, la elocuencia y la hilaridad, los trajes de etiqueta y el chándal. Dos mundos enfrentados que, poco a poco, congenian hasta forjar una amistad tan disparatada, divertida y sólida como inesperada, una relación única en su especie de la que saltan chispas.
La película que nos ocupa se podía enfocar de dos maneras: incidiendo en la tragedia de los dos protagonistas, ya que los dos sufren situaciones deprimentes en su vida, lo que nos habría otorgado un drama lacrimógeno que podría haber llegado a indigestarse; o bien de la manera en que se ha hecho, sin ningún tipo de complejo y ofreciéndonos un hermoso canto a la vida, una bellísima historia de amistad y superación más allá de las barreras sociales y físicas. Como se puede leer en la sinopsis, el punto de partida es muy sencillo, lo que no impide que nos encontremos ante una de las sorpresas de la temporada, que ha arrastrado a los cines franceses a más de 19 millones de personas y cuyo éxito se ha extendido también a España.
¿Cuáles son las claves de ese éxito? En primer lugar, el desenfado con el que se toma los problemas de los dos protagonistas, la tetraplejia de Philippe (que se une a otro hecho dramático de su vida que no comentaré) y la reciente salida de la cárcel de Driss, que le devuelve a su tumultuosa vida en un barrio marginal de París. A su manera, cada uno de los dos está desilusionado con la vida, y buscan un giro desesperadamente, giro que se produce la primera vez que se ven en la entrevista de trabajo para seleccionar al cuidador de Philippe. A partir de ahí, un guión inteligente y que no decae en ningún momento ahonda en la relación, de trabajo primero y de amistad después, que se fragua entre los dos hombres, no escatimando en cómicas situaciones a raíz de los problemas de ambos, no cayendo en ningún momento en el mal gusto, punto que se deben anotar los directores, Olivier Nakache y Eric Toledano, autores del libreto y que consiguen que la manera de tratar las desgracias no parezca en absoluto frívola, ofreciéndonos una dirección muy cuidada, sin grandes alardes y apoyada en el trabajo de los dos protagonistas, verdadero pilar de la cinta.
Porque el gran atractivo de la cinta son las enormes interpretaciones de los dos protagonistas, François Cluzet, que encarna a Philippe, el rico aristócrata que queda tetrapléjico tras un terrible accidente, y Omar Sy, que interpreta a Driss, un joven con una historia algo atípica (como se desvelará a lo largo de la película) y que acaba de salir de la cárcel. La química entre ambos es instantánea, desde la primera escena, y la relación que se establece entre ellos nos ofrece momentos divertidísimos, centrados en el problema de Philippe pero también en el choque de culturas, en la manera de ver la vida de ambos. Es curioso ver que el que lo tiene todo está perdiendo sus ganas de vivir, y el joven que procede de los bajos fondos supone un punto de inflexión, ya que consigue abrirle los ojos y demostrarle que vale la pena vivir.
Mención especial merece la BSO, otra herramienta de la que se valen los directores para escenificar esa diferencia entre los dos protagonistas. Temas de Vivaldi se mezclan con otros de Earth, Wind & Fire. Omar Sy (Driss) habla sobre ello en una entrevista:
"Una cosa que tengo en común con Eric y Olivier es el amor por la música y la danza. Y esa particular escena es maravillosa porque viene después de que Philippe haya intentado introducir a Driss en la música clásica. De tal modo que es un intercambio: Driss quiere que Philippe escuche y comparta su música. No es tan estricto como Philippe pero, para él, cuerpo y danza son una misma cosa. De hecho, Driss baila para Philippe. De tal modo que tenía que ser tan agradable como fuera posible. Pero con Earth, Wind and Fire, ¡eso es fácil!"
En definitiva, una película que nos reconcilia con el cine, que nos demuestra que las historias más sencillas son aquellas que pueden llegarte al corazón y que consigue que salgas del cine con una sonrisa en la boca y con la sensación de que uno puede y debe afrontar los problemas con buen humor.
LO MEJOR: El dúo protagonista; la BSO; el buen rollo que impregna el ambiente.
LO PEOR: Dos intrahistorias que hay en la película: la de amor, metida con calzador e innecesaria; la de Driss con su hermano descarriado.
Hace siete años, Christopher Nolan nos ofreció un reboot de la figura de Batman en el cine, con la fantástica Batman Begins (2005), que alejaba el tratamiento del personaje del perpetrado en fiascos como Batman y Robin (1997). Tres años después se superaba con la que (a mi juicio) es una de las mejores películas en lo que llevamos de siglo, El Caballero Oscuro (2008), un auténtico ejercicio cinematográfico de calidad que nos dejó con la miel en los labios, ya que dejaba un final abierto. La espera ha finalizado, y el 20 de julio de 2012 se estrena el esperadísimo cierre de la trilogía, "The Dark Knight Rises", que se traducirá en España como "El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace".
En esta ocasión tenemos nuevas incorporaciones, como la de Marion Cotillard, que se pone en la piel de Miranda Tate, una directiva de Wayne Enterprises que ayudará a Bruce Wayne en su objetivo de potenciar las misiones filantrópicas que inició el padre del joven millonario. Joseph Gordon-Levitt encarna a John Blake, un policía de Gotham City que trabaja en un grupo especial comandado por el comisionado James Gordon. Anne Hathaway interpreta a Selina Kyle/Catwoman, mientras que Tom Hardy es Bane, el villano del filme, que tiene la difícil misión de hacer olvidar el papelón que hacía Heath Ledger como el Joker. Evidentemente no faltarán los habituales Morgan Freeman, Michael Caine o Gary Oldman. Sin duda nos encontramos ante un reparto de auténtico lujo,lo que ha sido uno de los puntos fuertes de la saga. El director ha tenido que ir desmitiendo rumores, como una nueva aparición del Joker o la incorporación de Robin (menos mal).
¿Qué esperamos de esta película? Un final épico para la saga, nuevos gadgets de Batman, grandes interpretaciones y una gran historia en la línea de las dos anteriores. Afortunadamente, Nolan desechó la idea de rodarla en 3D (un auténtico mal endémico del cine de hoy en día,ya que se cuentan con los dedos de una mano las películas que ofrecen un 3D de calidad que compense el precio que se paga por ese tipo de entradas) y la ofrecerá en formato IMAX.
Película: Sombras tenebrosas (Dark shadows). Título original: Dark shadows. Dirección:Tim Burton. País:USA. Año: 2012. Género: Comedia, fantástico. Interpretación:Johnny Depp (Barnabas Collins), Michelle Pfeiffer (Elizabeth Collins Stoddard), Helena Bonham Carter (Dra. Julia Hoffman), Eva Green (Angelique Bouchard), Chloë Grace Moretz (Carolyn Stoddard), Jackie Earle Haley (Willie Loomis), Jonny Lee Miller (Roger Collins), Gulliver McGrath (David Collins), Bella Heathcote (Victoria Winters), Ray Shirley (Sra. Johnson), Christopher Lee (Clarney). Guion:Seth Grahame-Smith; a partir de un argumento de John August y Seth Grahame-Smith; basado a su vez en la serie de televisión creada por Dan Curtis. Producción: Christi Dembrowski, Johnny Depp, David Kennedy, Graham King y Richard D. Zanuck. Música:Danny Elfman. Fotografía: Bruno Delbonnel. Montaje: Chris Lebenzon. Diseño de producción: Rick Heinrichs. Vestuario: Colleen Atwood. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
SINOPSIS:En 1752, los Collins y su hijo Barnabas zarpan de Liverpool con destino a América para librarse de la misteriosa maldición que pesa sobre su familia. Con el paso de los años, Barnabas (Johnny Depp), un playboy impenitente, se convierte en un hombre rico y poderoso que comete el error de romperle el corazón a Angelique Bouchard (Eva Green). Pero ella, que es una bruja, lo condena a un destino peor que la muerte: lo convierte en vampiro y lo entierra vivo. Dos siglos después, en 1972, Barnabas consigue salir de su tumba y se encuentra con un mundo irreconocible.
Es indudable que las películas de Tim Burton tienen un sello propio e inconfundible que le ha acompañado durante toda su carrera, siempre con más luces que sombras. También es cierto que de un tiempo a esta parte parece inmerso en un gran bucle autodestructivo en el que se empeña en caer una vez y otra en la autocomplacencia y en dejar de lado ese riesgo creativo que tantos éxitos le ha reportado. "Sombras Tenebrosas" es otro claro ejemplo de ello, al ofrecernos un claro ejercicio de dirección en piloto automático, sin nada nuevo que ofrecer y desperdiciando una historia que podía haber dado mucho más. En su defensa también hay que apuntar que nos ofrece alguna que otra alegría, que unida a lo ya comentado con anterioridad, da como resultado un conjunto irregular, más en el contenido que en todo lo que lo envuelve.
En un principio, la idea de que un vampiro despierte en los años 70 tras 200 años encerrado (he de apuntar que la película está basada en una serie de los 60, Sombras en la Oscuridad (1966)) resultaba muy atractiva, y suponía un material muy goloso para el director de maravillas como Pesadilla antes de Navidad (1993), Ed Wood (1994) o Eduardo Manostijeras (1990). Pero nada más lejos de la realidad, ya que al poco partido que se le saca al hecho de que un vampiro se encuentre de pronto en una época diferente a la suya (pocos gags relacionados con ello y la mitad vistos en el trailer) se le une una dirección plana y un ritmo que en ocasiones se puede tornar soporífero, sin llegar al aburrimiento absoluto. Y es una lástima, porque el fantástico prólogo promete algo que finalmente no se llega a cumplir, y únicamente retoma la senda del cine de Burton en momentos puntuales, como ese encuentro del vampiro con un grupo de hippies, hilarante y terrorífico a partes iguales. Sin duda pequeños destellos en un mar de confusión agrandado por la endeblez del guión, que no deja un resquicio para la sorpresa y se mueve por territorios ya conocidos por el cinéfilo más exigente. El trailer promete una comedia, pero el humor negro brilla por su ausencia, y durante todo el metraje oscila entre el terror, el surrealismo y un romanticismo poco desarrollado.
¿Qué es lo que salva a Tim Burton del desastre? Otro de los sellos de identidad que le ha acompañado durante toda su filmografía, el maravilloso diseño de producción al que nos tiene acostumbrados y una fotografía cuidada al detalle. Si hay algo que nunca le podremos achacar es el atractivo visual que tienen todos sus trabajos, amén de un diseño de vestuario muy llamativo. Su inseparable Danny Elfman compone la BSO (fantástica, como siempre), y en esta ocasión el realizador hace una cuidadísima selección de éxitos musicales de los 70. Algún que otro gag está bastante logrado y consigue arrancarnos una esporádica sonrisa, pero todos ellos son logros insuficientes para que lleguemos a considerar que Burton ha vuelto por sus fueros.
Burton se rodea de grandes nombres para la función: Johnny Depp (actor fetiche de Burton) corre el peligro de sepultar su talento (que lo tiene, lo ha demostrado muchas veces) en toneladas de maquillaje y un histrionismo en ocasiones no demasiado bien llevado. Afortunadamente en esta ocasión se desprende de gran parte del alma de Jack Sparrow y nos ofrece un Barnabas Collins poco aprovechado, como ya he comentado anteriormente, pero que tiene presencia en pantalla, y eso es debido a las capacidades interpretativas que atesora. Evidentemente es un papel hecho a su medida, pero parece que la química y el feeling entre actor y director corren el peligro de agotarse, por lo que es necesario que se den un descanso. No podía faltar la mujer del director, Helena Bonham Carter, otra de las habituales en su carrera, con uno de los personajes con más posibilidades y a mi parecer el más insípido, junto con el de Michelle Pfeiffer, cuya interpretación va de menos a más. El contrapunto a estas grises presencias lo pone una volcánica Eva Green, arrebatadora como la bruja Angelique, causante de todos los males de nuestro protagonista y que destila toda la mala leche que le ha faltado al resto del reparto. Debo destacar la progresión de Chloë Grace Moretz en los últimos años, joven estrella con un talento infinito y que nos debe deparar grandes alegrías cinéfilas, dibujando un personaje perturbador con algún secreto que otro que ocultar.
En definitiva, una muestra más de que la carrera de Tim Burton se encuentra en un impasse del que debe recuperarse tarde o temprano, porque capacidades tiene y lo ha demostrado de sobra. Debe intentar dotar de alma sus producciones, sin que parezcan trabajos para cumplir el expediente. No nos importa esperar un poco más si la obra está a la altura de lo que se espera de él.
LO MEJOR: La lujosa presentación del conjunto; BSO y canciones; Eva Green.
LO PEOR: Guión endeble; altibajos en el ritmo; algunos secundarios sin presencia alguna; situaciones desaprovechadas.
Película: Los Vengadores. Título original: The Avengers. Dirección:Joss Whedon. País:USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género:Acción, aventuras, ciencia-ficción. Intérpretes:Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Chris Hemsworth (Thor), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff / Viuda Negra), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Jeremy Renner (Clint Barton / Ojo de Halcón), Cobie Smulders (agente Maria Hill), Samuel L. Jackson (Nick Furia), Mark Ruffalo (Bruce Banner / Hulk), Stellan Skarsgård (Dr. Erik Selvig), Tom Hiddleston (Loki), Clark Gregg (agente Phil Coulson), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts). Guion: Joss Whedon; basado en un argumento de Zak Penn y Joss Whedon; a partir de los cómics de Stan Lee y Jack Kirby. Producción: Kevin Feige. Música:Alan Silvestri. Fotografía: Seamus McGarvey. Montaje: Jeffrey Ford y Lisa Lassek. Diseño de producción: James Chinlund. Vestuario: Alexandra Byrne. Distribuidora: The Walt Disney Company Spain.
SINOPSIS:Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial, Nick Fury, director de la Agencia SHIELD, decide reclutar a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro: Los Vengadores.
Los sucesivos éxitos que han tenido en taquilla las adaptaciones a la gran pantalla de los cómics de héroes de la Marvel como Iron Man (2008), El Increíble Hulk (2008), Iron Man 2 (2010), Thor (2011) o Capitán América: El Primer Vengador (2011) dejaban claro que los grandes estudios no iban a resistirse a realizar la adaptación del cómic en el que todos se reunen, "Los Vengadores". Y la apuesta no les ha podido salir mejor, ya que ya ha recaudado en todo el mundo la friolera de 1000 millones de dólares y subiendo. Bien es cierto que en la actualidad estas cifras se inflan mucho debido a lo caras que son las entradas en 3D, pero es de recibo reconocer que está funcionando muy, muy bien. Y no me extraña, porque si hay en la actualidad alguna película a la que le sienta como un guante el calificativo espectacular, sin duda es esta. Siéntense en sus butacas, agarren su bol de palomitas, escojan a su superhéroe favorito y prepárense para disfrutar.
Uno de los aspectos más importantes de "Los Vengadores" es que funciona como película autónoma, es decir, no es necesario (sí recomendable) haber visto las adaptaciones de los diferentes superhéroes para disfrutarla. El director, Joss Whedon, ha tenido la suerte de no tener que contar el origen de cada uno de los protagonistas, por lo que puede saltar directamente al meollo de la cuestión y ofrecer 2 horas y cuarto de puro y testosterónico entretenimiento. Había ciertas dudas sobre el funcionamiento de la cinta, ya que por norma general siempre han funcionado mejor las adaptaciones de superhéroes en solitario, quedando en un segundo plano aquellas en la que los personajes en pantalla eran más de uno: Los 4 fantásticos (2005) fue una pequeña decepción, y la saga de los X-Men empezó a mostrar síntomas de agotamiento con X-Men. La Decisión Final (2006). Pero Whedon ha logrado conjuntar magníficamente a los Vengadores y lo va a tener muy difícil para superarse en la secuela. En pantalla tenemos la acidez y chulería de Tony Stark como Iron Man, el sentido del deber de Steve Rogers como el Capitán América,que ha despertado en un mundo no demasiado diferente al que dejó atrás, la fuerza bruta de Hulk y la planta de semidios de Thor. Para los que hemos visto las demás películas, la presencia de la Viuda Negra y de Ojo de Halcón nos deja algo descolocados, ya que no tenemos constancia de su historia y parece que están en un segundo plano durante gran parte del metraje.
Los FX lucen imponentes en pantalla, ofreciendo escenas pocas veces vistas antes en pantalla, y (aprende, Michael Bay) en las que se ve todo con nitidez y sin tener la sensación de que debemos tomar una Biodramina para soportar el mareo de la montaña rusa en la que nos hemos montado. La épica de la batalla final es brutal, no da un momento de respiro y no puedes permitirte el pestañerar ante el increíble despliegue de medios, siendo impagable ese plano secuencia en el que vemos a nuestros héroes uno detrás de otro participando en la batalla y poniendo en práctica sus habilidades. Afortunadamente, en los EEUU se ha superado ese miedo que surgió a raíz del 11-S de mostrar la destrucción de Nueva York en la gran pantalla, y en esta película no se salvan algunos de los edificios y lugares más representativos. También hay momentos de humor muy bien dosificados, muchos de ellos cortesía de Tony Stark. La banda sonora de Alan Silvestri ayuda a resaltar todos los momentos épicos de la cinta. Todo esto se resume en que todo lo relacionado con los apartados técnicos ha sido cuidado hasta el más mínimo detalle.
Los méritos interpretativos se pueden repartir equitativamente, aunque si me tuviera que quedar con alguien, sin duda sería con Robert Downey Jr., felizmente recuperado para el cine después de unos años erráticosy no exentos de problemas con diferentes sustancias no demasiado recomendables. Por el lado de los villanos, Tom Hiddleston nos ofrece un Loki que tiene más presencia aquí que en Thor (2011), y que nos ofrece el momento más memorable de la película junto a Hulk (aplauso garantizado). El resto del reparto cumple bastante bien, máxime cuando se nota que disfrutan con sus personajes.
En definitiva, el divertimento del año hasta ahora, y la película de superhéroes total. No debemos cometer el error de compararla con esa auténtica maravilla que es El Caballero Oscuro (2008), ya que juegan en ligas diferentes, y buscan objetivos distintos. "Los Vengadores" ofrece entretenimiento de calidad y que nos volvamos a sentir niños en una sala de cine, consiguiéndolo en muchos momentos.
LO MEJOR:La combinación de todos los superhérores en pantalla; el carisma que desprende Tony Stark; la espectacularidad de la batalla final.
LO PEOR: Por decir algo, un guión algo simplón; que se acabe la película.
Película: Los Juegos del Hambre. Título original: The Hunger Games. Dirección: Gary Ross. País: USA. Año: 2012. Duración: 142 min. Género: Ciencia-ficción, drama. Interpretación: Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Elizabeth Banks (Effie Trinket), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Wes Bentley (Seneca Crane), Donald Sutherland (presidente Snow), Lenny Kravitz (Cinna), Stanley Tucci (Caesar Flickerman), Isabelle Fuhrman (Clove), Toby Jones (Claudius). Guión: Gary Ross, Suzanne Collins y Billy Ray; basado en la novela de Suzanne Collins. Producción: Nina Jacobson y Jon Kilik. Música: James Newton Howard. Fotografía: Tom Stern. Montaje: Stephen Mirrione y Juliette Welfling. Diseño de producción: Philip Messina. Vestuario: Judianna Makovsky. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.
SINOPSIS:Lo que en el pasado fueron los Estados Unidos, ahora es una nación llamada Panem: un fastuoso Capitolio ejerce un control riguroso sobre los doce distritos que lo rodean y que están aislados entre sí. Cada distrito se ve obligado a enviar anualmente un chico y una chica entre los doce y los dieciocho años para que participen en los Juegos del Hambre, que son transmitidos en directo por la televisión. Se trata de una lucha a muerte, en la que sólo puede haber un superviviente. Katniss Everdeen, una joven de dieciséis años, decide sustituir a su hermana en los juegos; pero para ella, que ya ha visto la muerte de cerca, la lucha por la supervivencia es su segunda naturaleza.
Me resistía a ver esta película, ya que la sombra de la saga Crepúsculo (2008) es muy alargada y se cernía de nuevo sobre mí. Las perspectivas no podían ser menos halagüeñas: saga literaria de éxito, protagonistas adolescentes, grandes expectativas a nivel mundial...Mi juicio cinéfilo no podría soportar otro impacto como el que supuso la infame saga vampírica. Curiosidades del destino o no, la película me ha parecido muy disfrutable, dando la impresión de que el abanico de público al que va dirigida es más amplio de lo que puede parecer en un principio. De esto se desprende que los juicios cinéfilos sin una base sólida pueden hacer que nos perdamos muy buenas películas como la que nos ocupa.
La premisa es tan simple como terrorífica. Después de un intento de rebelión, los 12 Distritos de Panem son castigados a ofrecer un tributo cada año, dos adolescentes (chico y chica) que participarán en los Juegos del Hambre, una suerte de reality show en la que los 24 participantes deben sobrevivir en un escenario hostil y en el que solo puede quedar uno. Este argumento es la excusa perfecta para hacer dos críticas sociales: una de ellas es hacia los totalitarismos, el poder entendido como la opresión al más débil, mientras que en segundo lugar se pone en tela de juicio el auge de los reality show, el espectáculo entendido como invasión de la intimidad (llevado en esta película a límites extremos).
Desde el punto de vista cinéfilo, se disfruta más con el primer tercio de metraje, en el que nos presentan la vida cotidiana en el Distrito 12 (del que van a salir nuestros dos protagonistas), una vida en la que se respira la (falsa) libertad permitida por el Capitolio y en la que los habitantes esperan con una mezcla de impaciencia y (obviamente) miedo la elección de los candidatos a participar en los Juegos del Hambre. En el segundo tercio del metraje asistimos a la preparación de Katniss y Peeta para participar en los juegos. En esta parte se nos muestra la opulencia del Capitolio, y es curioso observar como el lujo ha llevado a la degradación, y que los espantosos trajes y el ridículo maquillaje de sus habitantes colisiona con la sencillez de las gentes de los distritos. El último tramo de la película es el, digamos, más convencional, el dirigido a los amantes de la acción, y que corresponde al programa en sí, la supervivencia pura y dura. Aquí el montaje tiene un estilo más videoclipero, utilizando la cada vez más socorrida cámara al hombro para las escenas de acción, logrando un ritmo más frenético en el desarrollo de los acontecimientos.
A pesar de sus casi dos horas y media de metraje, la historia fluye adecuadamente y en ningún momento se nos pasa por la cabeza el mirar el reloj. Y esto es gracias a que (como ya he apuntado anteriormente) posee cualidades que hacen que guste a una gran variedad de público. Evidentemente no puede faltar la consabida historia de amor, con la salvedad de que en esta ocasión no sabemos si es real es fingida, si nuestros protagonistas están realmente enamorados o todo se trata de una estrategia para sacar beneficio en el concurso. Esta ambigüedad es bien recibida, ya que se aleja del topicazo que suponen las empalagosas relaciones amorosas en películas con adolescentes de por medio. También tiene algún que otro momento con el que nos podemos emocionar, ya que los personajes están muy bien construidos, hasta el que se supone más insignificante, y esto ayuda a crear una empatía que beneficia al visionado de la película.
Si nos centramos en el apartado actoral, todos los flashes y aplausos son para Jennifer Lawrence, actriz que descubrimos en la sórdida Winter´s Bone (2010), y que en aquella ocasión ya llevaba todo el peso interpretativo. Aquí demuestra que puede hacer lo mismo en un blockbuster, que no siente vértigo ante la gran responsabilidad que ello supone. Sale muy airosa del envite, construyendo un personaje fuerte ante las desavenencias y que es consciente de que para triunfar en el letal concurso debe jugar muy bien sus bazas. Más soso y con menos presencia tenemos a su compañero de Distrito, Josh Hutcherson, por el cual sentimos antipatía y comprensión a partes iguales. Woody Harrelson y Elizabeth Banks tienen la habilidad suficiente para llevar a buen puerto dos personajes que por sus características podrían llegar al ridículo más absoluto, al igual que el personaje de Stanley Tucci, que nos llega a recordar peligrosamente nuestra Mercedes Milá, como el presentador de los Juegos del Hambre.
En definitva, un blockbuster de calidad de los que no abundan mucho, con un casting muy cuidado y trabajado y una preocupación palpable por agradar a un gran abanico de público, que se va a encontrar con una historia simple pero efectiva y con material para que no sea una película más en el cajón del olvido, sino que da para pensar y dialogar, y eso es mucho teniendo en cuenta los tiempos que corren cinematográficamente hablando.
LO MEJOR: La crítica social que impregna el producto, una destacable actriz protagonista, personajes cuidados y ciertos momentos de tensión.
LO PEOR: Que pensemos que es un producto para adolescentes. Desajuste entre sus diferentes segmentos al tener que ofrecer atractivos para cada tipo de público.
Película: Safe. Dirección y guion: Boaz Yakin. País: USA. Año: 2012. Duración: 95 min. Género: Acción, Thriller. Interpretación: Jason Statham (Luke Wright), Catherine Chan (Mei), Robert John Burke (capitán Wolf), Chris Sarandon (alcalde Tramello), James Hong (Han Jiao), Reggie Lee (Chang), Anson Mount (Alex Rosen), Sándor Técsy (Emile), Jospeh Sikora (Vassily), Danny Hoch (Julius). Producción: Lawrence Bender y Dana Brunetti. Música: Mark Mothersbaugh. Fotografía: Stefan Czapsky. Montaje: Frédéric Thoraval. Diseño de producción: Joseph C. Nemec III. Vestuario: Ann Roth. Estreno en USA: 28 Octubre 2011. Distribuidora: Aurum.
SINOPSIS:Mei, una niña china que vive en los bajos fondos de Nueva York, tiene una mente prodigiosa para las matemáticas. Las triadas chinas, la mafia rusa e incluso la policía de NY la persiguen porque en su memoria guarda un código secreto de alta importancia para todos ellos. El destino hace que se cruce con Luke (Jason Stattham), un ex agente de élite que ha tocado fondo y se ha convertido en un fracasado. Juntos trazarán un plan para librarse de los perseguidores de la niña.
Hace unos años, llegó un momento en el que los amantes de las películas de acción pura y dura nos quedamos huérfanos de la figura del action hero (o héroe de acción), que en las décadas de los 80 y los 90 ejemplificaban de manera rotunda actores como Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Steven Seagal o Jean Claude Van Damme. Popularizaron ese tipo de personaje con un pasado más o menos oscuro, más chulos que un ocho y que de una manera u otra siempre tenían habilidades ocultas relacionadas con la lucha o el manejo de armas de fuego, además de tener siempre la frase adecuada para cada situación. ¿Quién no se acuerda de John McClane en Jungla de Cristal (1988)? Pues bien, ese personaje representa el estereotipo de héroe de acción que tanto nos ha hecho vibrar. Muchos actores han tratado de ocupar un puesto en ese Olimpo del cine de acción, pero muy pocos lo han conseguido. Y uno de ellos (posiblemente el único), es el protagonista de "Safe", Jason Statham, al que Guy Ritchie dio la oportunidad de debutar en el cine con esa cinta de culto que es Lock&Stock (1998). Pero fue con Transporter (2002), cuando Statham presentó sus credenciales para convertirse en el nuevo icono del cine de acción, una refrescante presencia en el oasis en el que se había convertido el género. A partir de ahí ha encadenado película tras película con resultados muy dispares. Pero a un servidor le ha encantado esta película en particular, así que un ¡¡hurra!! por Statham.
"Safe" va directa al grano. En 20 minutos escasos te ha puesto en situación, ha presentado a los personajes y se mete de lleno en la acción. La premisa de la película resulta conocida, ya que en 1988, Bruce Willis protagonizó Mercury Rising (Al Rojo Vivo), en la que debía proteger a un niño autista que había descifrado un código militar. Pero el hecho es que en aquella película, la relación entre Willis y el niño tenía cierto toque de sentimentalismo, llegando a emocionar en varias escenas, mientras que en esta película, la niña es un simple macguffin, que impulsa la historia pero a la que no se le da toda la relevancia necesaria, puesto que los momentos en los que comparte escena con Statham son muy escasos. En resumen, la niña es el pretexto para que Statham empiece a repartir a diestro y siniestro en una Nueva York que parece únicamente poblada por chinos chungos, rusos chungos, polis chungos y políticos chungos.
"Esta noche he estado de restaurantes, pero solo me han servido balas"
El director, Boaz Yakin (guionista también en esta ocasión), dirige con pulso firme la película, conviertiendo Nueva York en un auténtico campo de batalla y aprovechando todas las opciones que la ciudad propone, utilizando un montaje que de tan enérgico se le va de las manos en ocasiones, provocando que muchas veces no sepamos lo que ocurre en escena. Alterna estos tropiezos con planos brillantes, como ese en el que vamos viendo la acción por los diferentes espejos retrovisores de un coche, y con una más que digna capacidad para coreografiar tiroteos y peleas (algo confusas estas en ocasiones). Ya he comentado que el director también se encarga del libreto de la cinta, y he de decir que se ha sacado de la manga un puñado de frases lapidarias que van a conseguir arrancarnos una sonrisa y que hacen que empaticemos con Luke Wright y su cruzada para salvar a la niña. Frases del tipo: "tienes los huevos gordos", a lo que nuestro protagonista contesta: "sí, tengo suerte de poder andar". Genio y figura. Aún así, Yakin es mejor director que guionista.
Concluyendo, cine de acción que intenta ser un reflejo de la vieja escuela y que nos tenemos que tomar como tal, un divertimento puro y duro a mayor gloria de su protagonista, un Jason Statham que lucha por convertirse en el action hero del S.XXI. Abstenerse aquellos que busquen profundidad en la historia, personajes bien dibujados o algo de qué hablar al salir del cine. Atención al final, esta vez sí alejado de todos los clichés del género y con identidad propia.
Película: La maldición de Rookford. Título original: The awakening. AKA: El despertar. Dirección: Nick Murphy. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 107 min. Género: Suspense, Drama, Thriller Sobrenatural. Interpretación: Rebecca Hall(Florence Cathcart), Dominic West (Robert Mallory), Imelda Staunton (Maud Hill), Isaac Hempstead-Wright (Tom), Lucy Cohu (Constance), Diana Kent (Harriet), Richard Durden (Alexander Cathcart), John Shrapnel (reverendo Hugh). Guion: Nick Murphy y Stephen Volk. Producción: Sarah Curtis, Julia Stannard y David M. Thompson. Música: Daniel Pemberton. Fotografía: Eduard Grau. Montaje: Victoria Boydell. Diseño de producción: Jon Henson. Vestuario: Caroline Harris. Distribuidora: DeAPlaneta.
SINOPSIS: “La maldición de Rookford” está ambientada en 1921, en la Inglaterra de la posguerra, donde muchos de quienes han perdido a sus seres queridos buscan consuelo en el espiritismo. Atormentada por la muerte de su prometido, Florence Cathcart dedica sus energías a desmontar presuntos fenómenos sobrenaturales sirviéndose de sistemas metódicos y racionales. Cuando le piden que visite Rookford, un internado en la campiña inglesa, para investigar las supuestas apariciones del fantasma de un niño, ella se siente decidida a aceptar el reto. Ya en Rookford, se pone manos a la obra, poniendo trampas y reuniendo pruebas científicas. Poco a poco empiezan a desvelarse algunos secretos, y el misterio que rodea al fantasma parece no ser más que una broma de niños. Sin embargo, cuando Florence está lista para marcharse, tiene un escalofriante encuentro que desafía toda explicación racional. Uno de los maestros, Robert Mallory, se preocupa por el bienestar de Florence después del hecho, ya que se encuentra asustada y confundida. Pero ella está dispuesta a llegar al fondo de la cuestión, y decide quedarse allí durante las vacaciones de Navidad, cuando los niños se van con sus familias.
Hace unas semanas hablaba de una película de terror, La mujer de negro. Pues bien, el género sigue de moda y cada cierto tiempo se estrena un film de estas características. En esta ocasión le toca el turno a "La maldición de Rookford", que si bien intenta ofrecer aspectos novedosos en su contenido, acaba dando la impresión de que lo que hemos visto no ha aportado nada a lo que ya nos habían ofrecido las anteriores películas de este género.
La película está dividida en dos partes claramente diferenciadas. En la primera de ellas vemos como nuestra protagonista se dedica a destapar fraudes paranormales (curiosamente, otra de las películas destripadas en este blog hace poco, Luces Rojas, también trataba este tema), y que todavía no ha superado la pérdida de su prometido en la guerra. Es entonces cuando se requiere su ayuda para tratar de descubrir al espíritu que atormenta a los niños de un internado. Ahí empieza la segunda parte de la película, en la que la protagonista tiene que replantearse sus creencias y empezar a pensar que tal vez existan los fantasmas. Lo que más me llamó la atención de la película es la manera en que está moldeado el papel de Florence, presentada como una mujer de ciencia, una mujer inteligente que ayuda después de la guerra a todos aquellos que depositan su esperanza tras haber perdido a un ser querido en cuentistas y falsos mediums. Es una mujer con estudios y capacidad de decisión en una época de la historia en la que el machismo era la nota predominante, como bien demuestran varios comentarios que se hacen a lo largo de la película.
La historia está muy bien contada, con un ritmo adecuado y una atmósfera inquietante, lograda en parte gracias a la magnífica fotografía de un español, Eduard Grau, en parte con el tempo que logra darle Nick Murphy, debutante en cine pero con experiencia en televisión. Pero, ¡ay amigos!, volvemos a la historia de siempre. A ese ritmo pausado, no le sigue un tramo final en esa línea, ya que nos brinda un final muy atropellado, en el que los acontecimientos se desarrollan demasiado deprisa y en el que no nos da tiempo a asimilar tanta información, además de que deja varias cosas en el aire y sin atar en cuanto al argumento, lo que echa por tierra todo lo conseguido hasta el momento. Algún que otro personaje sin sentido también es algo que se le puede achacar a la cinta en sentido negativo
En el plano interpretativo, Rebecca Hall lleva magníficamente el peso de la película, especialmente en el paso de la mujer segura de sí misma a la mujer que empieza a despertar (de ahí el título original de la película "The Awakening") en cuanto su interpretación de la realidad se refiere. Su presencia es estimulante y propicia que la cinta no caiga en el tedio más absoluto. El resto del reparto no está mal, pero no llegan a la altura de la protagonista.
En definitiva, una nueva aportación al tan machacado género de las casas encantadas, que cumple con su cometido de estremecer al espectador en un par de ocasiones y que bebe de películas como El sexto sentido (1999) o El Orfanato (2007). Es novedosa en el perfil que presenta el personaje de Florence, pero se pierde en convencionalismos del género y termina siendo una más del montón, ideal para ver en una noche lluviosa y con las luces apagadas.
LO MEJOR:El personaje de Florence, algún que otro susto y pasajes efectistas como el de la casa de muñecas.
LO PEOR: Que ya nada sorprende en estas películas, que el género vuelve a parecer agotado y algunas incongruencias de guión originadas por el poco pulido final, que deja más dudas que certezas.
AMERICAN PIE: EL REENCUENTRO (Jon Hurwitz, Hayden Schlossberg)
Un grupo de viejos amigos vuelven a reunirse. Jim (Jason Biggs) y Michelle (Alyson Hannigan) siguen felizmente casados, aunque hay una vecina que se ha enamorado de él. Además, la cinta sexual con Nadia se ha convertido en uno de los videos más vistos de Youtube. Por su parte, Oz (Chris Klein) vive en una mansión de Malibú, pero su novia parece sólo interesada por su dinero. Mientras tanto, la vida de Stifler (Seann William Scott) sigue siendo un desastre. Heather (Mena Suvari) sale con un cirujano que intenta parecer más joven, y Finch (Eddie Kaye Thomas), que ha viajado por el mundo, intenta ligar con Trish, una camarera amiga de Michelle.
LOS DIARIOS DEL RON (Bruce Robinson)
Paul Kemp (Johnny Depp) es un escritor norteamericano que ha empezado a trabajar como redactor para un periódico caribeño. Su nuevo ambiente, poco a poco, empieza a enrarecerse. Amor, envidia, celos y mucho alcohol son los principales ingredientes del relato.
SAFE (Boaz Yakin)
Mei, una niña china que vive en los bajos fondos de Nueva York, tiene una mente prodigiosa para las matemáticas. Las triadas chinas, la mafia rusa e incluso la policía de NY la persiguen porque en su memoria guarda un código secreto de alta importancia para todos ellos. El destino hace que se cruce con Luke (Jason Stattham), un ex agente de élite que ha tocado fondo y se ha convertido en un fracasado. Juntos trazarán un plan para librarse de los perseguidores de la niña.
EL SEXO DE LOS ÁNGELES (Xavier Villaverde)
Bruno y Carla son una pareja. Cuando conocen a Rai, un breaker, deciden enfrentarse con valentía y sin tabúes a las normas que existen sobre el amor, la infidelidad y los roles sexuales
LES LYONNAIS (Olivier Marchal)
Tras formar parte de la banda "Los lioneses", que atracaron media Francia en los 70, Edmond Vidal, alias "Momon", vive ya retirado del mundo del crimen. Tras el nacimiento de su séptimo nieto, recibe la noticia de que su compañero Serge, con el que se inició en el mundo criminal y al que quiere como a un hermano, ha sido detenido después de burlar a la justicia durante trece años. La amistad y la lealtad hacen que Momon se plantee sacar de la cárcel a su amigo. A la vez, la película narra la vida criminal de Momon y Serge en su juventud.
Otras: Adiós a la reina (Benoît Jacquot), El hombre sin pasado (Lee Jeong-beom), Wilaya (Pedro Pérez Rosado), Mi fábrica (Dieter Schumann).
